Gala Québec Cinéma 2017: le triomphe de Juste la fin du monde de Xavier Dolan

Avec 12 nominations chacun, Juste la fin du monde et Un ours et deux amants étaient les favoris du Gala Québec Cinéma. Le film de Xavier Dolan s’est bel et bien révélé le grand gagnant de la soirée avec 5 Iris en poche, dont ceux du Meilleur film et de la Meilleure Réalisation. Nelly d’Anne Emond est l’autre vainqueur avec 4 statuettes, dont celle de la Meilleure comédienne pour la radieuse Mylène Mackay.

Découvrez ci-dessous la liste complète des Iris 2017 :

MEILLEUR FILM

  • Juste la fin du monde, de Xavier Dolan

MEILLEURE RÉALISATION

  • Xavier Dolan pour Juste la fin du monde

MEILLEUR SCENARIO

  • Louis Bélanger et Alexis Martin pour Les mauvaises herbes

MEILLEURE ACTRICE

  • Mylène Mackay dans Nelly

MEILLEUR ACTEUR

  • Gabriel Arcand dans Le fils de Jean

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Box office 2016 des films québécois

En 2007, le premier volet de la comédie Les 3 P’tits Cochons avait attiré près de 580 000 spectateurs. Près de 10 ans plus tard, désormais repris en main par le réalisateur Jean-François Pouliot, le second en rassemble un peu plus de 300 000. Un demi-succès ? Oui et non. La comédie réunit certes beaucoup moins de spectateurs dans les salles québécoises mais elle glane la première place de la production locale au box office. Et elle confirme la popularité du comédien Guillaume Lemay -Thivierge, présent au casting de 2 films du Top 10 (Les 3 P’tits Cochons 2 et Nitro Rush… deux suites !). A noter la très belle 3ème place de 1:54, le bouleversant film du jeune réalisateur Yan England… qui attire 40 000 spectateurs de plus que l’expérimenté (mais pas moins jeune) Xavier Dolan pour son adaptation de Juste la fin du monde. En 2014, son Mommy était le plus gros succès québécois avec plus de 370 000 spectateurs.

Voici ci-dessous le top 20 des plus grands succès de cette année 2016 au Québec :

  1. Les 3 P’Tits Cochons 2 : 306 399 entrées
  2. Votez Bougon : 270 390
  3. 1:54 : 127 296
  4. Juste la fin du monde : 87 204
  5. Les Mauvaises herbes : 60 862
  6. Chasse-galerie : 59 036
  7. Nitro Rush : 55 843
  8. 9 le film : 17 850
  9. King Dave : 15 917
  10. Embrasse-moi comme tu m’aimes : 14 246
  11. Two Lovers and a Bear : 8 640
  12. Avant les rues : 5 591
  13. Endorphine : 5 046
  14. Le Pacte des anges : 4 865
  15. Mon ami Dino : 4 352
  16. Pays : 3 909
  17. Montréal la Blanche : 2 986
  18. L’Origine des espèces : 2 279
  19. Boris sans Béatrice : 2 084
  20. Là où Atilla passe : 2 066

La bande-annonce de « Les 3 P’tits Cochons 2 » :

Interview – Podz : « Mon sujet de prédilection est l’être humain dans toute sa beauté et sa laideur »

Interview publiée dans le numéro 57 de Cinemateaser !

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MA RENCONTRE AVEC PODZ

La toute première chose que j’ai vue, concernant votre travail, est la série Xanadu, produite pour Arte. Au-delà du sujet, qui avait fait beaucoup parler à l’époque, ce qui m’avait profondément marqué, c’était votre utilisation du flou. En explorant davantage votre travail, je me suis aperçu que ce « flou » était récurrent chez vous… et jamais gratuit parce que toujours signifiant : une volonté d’isoler un élément de l’image voire un personnage, la projection psychologique d’un personnage… ou le désir pour vous, en tant que cinéaste, d’affirmer votre vision » cinématographique » et non réaliste d’une scène. Pourquoi cette attirance pour ce flou ?

Tout ça, les plans flous, ont débuté durant la création de la série Minuit Le Soir. Je devais trouver une façon d’introduire le personnage de Fanny. Je ne trouvais rien. Je travaillais fort pour trouver une introduction originale. Et le matin du tournage, lorsque je revoyais les scènes de la journée, et que j’écrivais ma liste de plan, l’idée m’est venue de faire avancer la caméra vers Fanny, mais sans toucher la bague de foyer. De faire sortir le personnage de la brume et le rendre réel. Quand nous l’avons fait, j’ai tout de suite dit à mon directeur photo : « Voilà la série ! » Ces plans flous, ces images un peu irréelles (d’une vraie beauté) mais tout de même ancrées dans une réalité, rendaient le propos beaucoup plus éthéré. Il y avait là une vraie façon visuelle de créer un poème. De souligner, d’isoler, de transmettre un état psychologique. Nous voulions vraiment souligner l’aspect un peu surréaliste de travailler la nuit. Lorsque tu es toujours debout la nuit, il y a malgré tout un état de fatigue qui s’installe, tu es toujours dans un état presque de rêve. Un film est après tout un rêve éveillé. C’est une technique que j’emploie maintenant un peu plus sporadiquement que dans Minuit le soir, mais qui reste très près de mon travail.

Quel est le « plan flou », ou les « plans flous » qui vous ont marqué ?

Persona, d’Ingmar Bergman.

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Il y a une autre récurrence chez vous : celle de vous réserver de vrais « morceaux de bravoure » de réalisation. Je pense au plan circulaire de Tu M’aimes-Tu, au plan séquence de fusillade de 19-2… et à King Dave, tourné en un seul plan. Même si ces morceaux de bravoure ne sont jamais gratuits – ils sont là avant tout pour créer une tension et une émotion – ressentez-vous le besoin, en tant que cinéaste de vous « confronter »  à cela ? Avez-vous besoin de vous créer une difficulté particulière ?

Non, c’est juste que j’essaie toujours de trouver une façon émotionnellement satisfaisante de décrire un état psychologique. Je crois que ces « morceaux de bravoure » servent toujours l’histoire. Ils traduisent l’émotion et la psychologie de la scène que je tente de décrire. D’une autre façon, ces séquences permettent de créer un vrai environnement créatif sur le plateau. Tous les membres de l’équipe doivent y participer et ça crée nettement un rassemblement au sein de l’équipe.

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copyright : Go Films

LES 7 JOURS DU TALION

En voyant le film, j’ai eu le sentiment que la réplique la plus importante du film était celle du captif disant au personnage de Claude Legault « T’es pire que moi ». On s’aperçoit alors, et le personnage de Claude Legault également sans doute, que ce processus de vengeance est aussi une perte d’humanité. Est-ce cela la dynamique du film ?

Définitivement. Un des thèmes du film est ce que la violence fait de nous. Comment elle nous transforme. Comment elle nous détruit. La violence selon mon point de vue ne peut être que destructrice. On doit comprendre dans le film pourquoi le personnage de Claude emploie cette violence, mais on doit aussi voir pourquoi il ne doit pas l’employer. Pour moi la séquence qui résume mieux le film est la dernière durant laquelle le personnage de Claude répond aux questions d’un journaliste (hors champ, car je voulais que ces questions puissent venir du spectateur, de nous) :

  • « Vous pensez que la vengeance est la bonne solution ? »
  •  « Non »
  • « Donc, vous regrettez ce que vous avez fait ? »
  • « Non »

Les images du film sont souvent insoutenables. Et lorsqu’on s’interroge sur notre capacité à encaisser des images d’une violence rare sur un rythme quotidien, on s’aperçoit que le film nous ramène justement à notre position de témoin. Était-ce aussi cela l’objectif du film : nous ramener, paradoxalement, à un rapport « normal » avec les images « anormales » ?

Oui, mais aussi de nous faire contester notre rapport à la violence cinématographique. Que pouvons-nous tolérer ou accepter ? Il y a un acte de violence que Claude commet dans le film que très peu de gens acceptent ; c’est lorsqu’il frappe la femme qui est elle aussi une victime. C’est plus inacceptable que le reste, car cette femme n’a rien fait de mal. Elle ne « mérite » pas cette violence. Une des questions que soulève le film est qui « mérite » cette violence ? Et est-ce que nous pouvons en décider ? Les spectateurs réagissent très fortement et correctement à la scène qui est pourtant très simple après ce que nous avons vu à ce stade de l’histoire. C’est que même si nous avons accepté la violence faite au meurtrier/pédophile, nous ne pouvons accepter celle commise contre cette femme. Alors le film est une méditation sur notre rapport à la violence. Comment reçoit-on ces images ? Quel est leur impact sur le spectateur ? Chaque scène violente est calculée pour permettre une réflexion sur ces questions.

De la même manière, en tant que réalisateur, et même si vous savez que c’est du faux, avez-vous des limites dans ce que vous êtes capable de mettre en scène et de filmer ? Est-ce que vous-même vous vous interrogez sur la nature de ce que vous êtes capable de filmer ?

Oui, c’est toujours une question que je me pose. Je crois que nous pouvons tout montrer de l’expérience humaine, car cette violence fait partie de nous et je crois que c’est une bonne chose de la confronter, de la regarder froidement. Mais si je n’y vois aucun avantage psychologique, narratif, ou émotif à montrer cette violence, je ne la montrerai pas.

Est-ce que ce que vous ne montrez pas dans le film, et qui du coup prend une dimension de violence inouïe, découle justement de ce que vous, en tant que cinéaste, n’arrivez pas à filmer ?

Ça découle du jeu que j’avais entamé avec le spectateur. Jusqu’où allait-il me suivre ? Si, après tout ce que je lui ai montré, il y a quelque chose que je ne dois pas lui montrer, elle doit être insoutenable. La vieille théorie « c’est pire de ne pas voir » marche, je crois, seulement si on peut démontrer jusqu’où on est prêt à aller. Et alors, ce qu’on ne voit pas devient insoutenable car j’ai donné quelques clefs de ce que je ne montre pas.

Les 7 jours du talion est aussi votre premier film avec Claude Legault , avec lequel vous aviez déjà collaboré sur la série Minuit le soir. A ce jour, vous avez travaillé avec lui sur deux séries et quatre films. Qu’est-ce qui vous fascine tant chez lui ?

Sa capacité à sonder et creuser chaque aspect de son expérience pour trouver la vérité de chaque scène. Il est aussi fasciné que moi par l’être humain dans toutes ses facettes. Des plus belles aux plus laides.

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copyright : Zoofilms

10 1/2

10 1/2 suit Les jours du Talion de quelques mois. Très peu de temps. Comment arrivez-vous à tourner aussi vite ?

Je ne sais pas, je travaille. C’est tout.

Après Les 7 jours du Talion, dont la forme était plus classique, vous optez pour une approche plus documentaire, en étant au plus proche des personnages, en laissant vivre les scènes… Pourquoi cette approche « documentaire » ?

Pour rendre la vie de Tommy plus près de la nôtre. Pour montrer que ces situations sont bien réelles et beaucoup plus près de nous qu’on veut le croire. Pour que l’on comprenne bien ces personnages. Le truc était de faire accepter le personnage de Tommy, qui est difficile à aimer. Je voulais que le spectateur vive ce film de façon viscérale et immédiate.

En parfaite adéquation avec le sujet et votre approche, vous choisissez dans le film de montrer les crises de colère de Tommy dans leur durée et n’éludant pas leur récurrence, quitte à éprouver le spectateur. Dans ce cas, on ne peut pas affirmer comme dans le cas de Talion qu’il s’agit d’une confrontation entre le spectateur et le potentiel de violence d’une image. Que souhaitiez-vous créer et dire à travers ces nombreuses scènes d’une violence parfois ahurissante ?

Je voulais que le spectateur comprenne l’ampleur du travail que représente un enfant comme Tommy pour Gilles (Claude Legault). Que nous voyons le dommage qui a été causé à cet enfant par ses parents inaptes. La profonde tristesse de cet état de choses. Je voulais qu’il y ait là une réaction viscérale. Je ne voulais pas faire allusion au problème. Mais plutôt le regarder froidement et le constater pleinement.

Avec 10 1/2, vous dirigez également un tout jeune comédien, Robert Naylor, qui est prodigieux et embrasse constamment la difficulté de chaque scène. Comment on tire tout cela d’un aussi jeune comédien ?

En lui faisant confiance. En discutant directement et clairement avec lui de ce qu’il a à faire. En discutant avec lui de ce qu’est Tommy. De ce qu’il vit. Et de créer des liens entre la vie du personnage et celle du comédien. En mettant en scène un génie comme Robert Naylor.

Selon moi, il n’y aurait pas eu Mommy sans 10 1/2. Quel regarde portez-vous sur le film de Xavier Dolan ?

Il est vrai que les sujets se croisent. Mais au delà de ça, je n’aime mieux pas entrer dans les comparaisons si vous me permettez.

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© Go Films

L’AFFAIRE DUMONT

L’Affaire Dumont marque une vraie rupture, selon moi, dans votre approche cinématographique. Elle me fait, d’une certaine manière, penser à ce que David Fincher a fait avec Zodiac. Il y a une vraie volonté de sobriété, de lourdeur dans les images et de ralentissement de rythme dans le montage et la narration en général. Pourquoi une telle révolution dans votre cinéma ?

C’est un film sur la nature de la vérité. Où est elle ? Quelle est elle ? Comment la mettre en scène ? Est-ce que la vérité de Dumont a autant de poids que celle de sa femme ? Son ex ? Celle qui l’accuse ? Les avocats ? La juge ? Qui dit vrai et qui doit-on croire ? Je voulais par le rythme, la lenteur, permettre au spectateur de bien considérer chaque aspect de l’image, du décor et des mouvements pour bien faire son choix dans ce qui est vrai et ce qui ne l’est pas.

J’ai évoqué Fincher pour ce film. Est-ce que cette influence est justifiée ? Avez-vous d’autres influences pour votre cinéma en général ?

Oui, j’ai été très affecté par Zodiac La comparaison est juste. Mais j’essaie en général d’éviter les influences du moins en termes cinématographiques lorsque je tourne. J’évite en général de regarder des films en tournage !

Et dans votre façon d’aborder ce fait judiciaire terrible, quelque chose sort de l’ordinaire… Pourquoi avoir choisi de mêler images de fiction et images d’archives du vrai Michel Dumont ?

C’est là que le questionnement formel sur la vérité devient intéressante. Nous voyons en plein film le vrai Michel Dumont. La vraie Solange. Mais dans une scène qui a tout de la fabrication. D’une mise en scène. Tout de la préparation. Ces images d’archives sont frappantes. Parce que j’avais peine à y croire. Est-ce que la fiction qui vous à été présentée jusqu’à ce moment est plus véridique que ces images d’archives manifestement mises en scène ? Est-ce que parce qu’on voit les vrais êtres humains sur lequel est basé le récit nous sommes dans une vérité plus honnête ? Ou est-ce que la fiction devient plus vraie pour le spectateur, car il a vécu avec ces personnages plus longtemps qu’avec le vrai Dumont. Et si votre questionnement sur ces images d’archives vous font questionner le récit de Dumont. Est-ce que le récit présenté jusque-là vous semble vrai. Ce film était pour moi un vrai questionnement sur ce qui est faux ou vrai dans le cinéma. Dans les images.

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De toute votre filmographie, Miraculum a la structure la plus éclatée… et c’est aussi celui où votre caméra semble la plus libre. Comment on crée de la « légèreté » au cinéma ?

Dans ce film j’essayais d’aborder les questions spirituelles à travers le regard naïf de la protagoniste. C’est peut-être une erreur, car je crois qu’aujourd’hui on préfère largement avoir le sentiment de connaître le regard du réalisateur sur un sujet donné. Cette légèreté venait de là. De la protagoniste. Le créer est très difficile d’une part et aussi truffé d’embûches, car le regard léger passe pour celui du réalisateur. L’utilisation de la musique aide nettement à créer un ton léger. Le casting aide beaucoup. Ce que les acteurs dégagent déjà par leur personnalité aide à créer ce ton. La simplicité des dialogues et l’approche très directe et facile de la mise en scène. Il n’y a pas de sens caché, la caméra vous montre exactement ce qu’elle doit sans évoquer le monde à l’extérieur du cadre. Dans les 7 jours ou 10 ½, on a l’impression que l’extérieur du cadre est inquiétant, même hostile.

Miraculum est un film choral, qui peut faire penser au Short Cuts de Robert Altman. Est-ce que la principale difficulté est de donner une cohérence et du liant à différentes intrigues liées par des thématiques ?

C’est effectivement le plus difficile. Il faut que la thématique soit le fil rouge de toutes les différentes histoires. Mais il faut aussi que chaque histoire soit intéressante en soit et peut vivre toute seule. Ce qui est nettement plus réussi dans Short Cuts.

 

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Go Films

KING DAVE

 

King Dave est adapté de la pièce d’Alexandre Goyette. Pourquoi avoir choisi de le tourner en un seul plan séquence ?

Pour plusieurs raisons. La première est de préserver l’exploit qu’est la performance de Goyette. Aussi en gardant le style de la pièce: il nous parle directement, donc on crée une sorte d’aspect théâtral dans laquelle tout nous est possible. Le film qui défile en une seule traite sous nos yeux créée un aspect d’épuisement. D’étouffement. Ce que vit Dave dans le film est dur, très dur et très lourd. Je voulais créer cet effet physique chez le spectateur. Mais avant tout, c’est comme si le film est l' »Ultimate Selfie », comme si Dave tenait la caméra à bout de bras  et nous livrait sa confession. Tout ce qu’on fait dans les médias sociaux aujourd’hui est se confesser ou s’avouer. Voici ce que je mange, voici ce que je pense, voici ce que je ressens. Aimez moi. « Likez » moi. Dave se confesse, veut notre pardon. Veut s’avouer et veut ultimement qu’on l’aime et qu’on le comprenne.

Auriez-vous pu tourner ce film sans le plan séquence au début de la saison 2 de 19-2 ?

Cela a certainement aidé à comprendre la logistique d’une telle entreprise.

Le plan séquence, c’est à la fois le summum de la préparation technique et de l’anticipation et l’invitation à l’ « accident de parcours » lors d’une prise. Est-ce que l’imprévu était bienvenu dans votre esprit pendant le tournage ?

L’imprévu doit faire partie de l’équation dans un plan séquence. L’improvisation aussi. Mais je crois que l’imprévu et l’improvisation doivent faire partie de tous les tournages. Il faut être ouvert à toutes les possibilités qui se présentent, mêmes les obstacles, et les utiliser à l’avantage de la vision du film.

King Dave est-il votre film le plus compliqué à tourner ?

Oui. Mais ce fut une des expériences humaines les plus fortes aussi. Toute l’équipe était aussi investie dans le film que moi. Ce qui est une chose très rare. Tous ceux qui ont participé à ce tournage, je pense, le verront comme une expérience marquante par le simple fait que tous ceux qui y ont participé devaient être à leur meilleur le temps du tournage à chaque nuit.

King Dave est sans doute un morceau de bravoure ultime. Comment comptez-vous vous mettre en difficulté après ce film ?

Je n’en ai aucune idée. Mais j’ai hâte de l’apprendre.

Question bête : comment se choisit le plan séquence qui deviendra le film ?

La meilleure prise. Tout simplement.

Rares sont les films à voir tenté le plan séquence intégral. Plus rares encore sont les films ayant réussi cette performance. J’ai en tête trois films dans des genres et avec des ambitions différentes : Time Code de Mike Figgis, L’Arche russe d’Alexandre Sokourov et Victoria de Sebastian Schipper. Est-ce que, d’une certaine manière, vous avez étudié ces films ? Et si oui, quelles leçons avez-vous tiré de ces films ?

J’ai évité de regarder ces films lors de la préparation et le tournage de King Dave. J’ai puisé mon inspiration ailleurs.

La difficulté de cette entreprise, au-delà des contraintes techniques, ne se situe pas dans le fait qu’il faut effacer et faire oublier la performance au profit de l’œuvre artistique ?

C’est exactement ça. Il faut que l’importance du propos et la psychologie des personnages soient de l’avant.  De plus, il ne faut surtout pas que le spectateur remarque le plan séquence. Il faut faire comme si le film était monté. Fournir différents plans, différentes tailles de plans à l’intérieur du plan séquence. Il faut aussi donner l’impression qu’il y a des coupes dans le film. C’est très difficile car le montage se fait à même le tournage. Il n’y a pas comme à l’habitude : « on verra ça au montage » !

Que représente la post production sur un plan séquence de cette ampleur ? A cacher certains éléments (du décor ou de la technique), à corriger certains aléas…

Oui, aussi de créer des effets magiques que seul la post production peut vous donner. Le travail du son est aussi très important ainsi que le choix de la musique. Dans le cas de King Dave, il y a plusieurs lieux, plusieurs scènes à l’intérieur du même plan. Ainsi que plusieurs temporalités et même de réalités. Tout ça doit être appuyé par le son et bien sûr, la musique.

Vous êtes-vous fixé une limite justement dans la retouche (afin de ne pas « dénaturer » le plan séquence) ?

Oui.

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Podz sur le tournage de « King Dave » – © Go Films

UNE ŒUVRE

A ce jour, et même si certains de vos films ne sont pas toujours dénués d’humour, vous avez pas (encore) réalisé de comédie. Est-ce par manque d’envie ? De projet ?

On m’a offert des comédies, mais je n’ai pas trouvé le parfait véhicule à ce jour. Ce n’est pas par manque d’envie, mais bien de projets !

Comptez-vous un jour aborder ce « genre  » ?

Peut-être si le bon projet se présente.

Vos films ont des formes très différentes. Et pourtant votre filmographie est cohérente, traversée par des thématiques récurrentes. Vos films abordent toujours la violence (à travers notamment une réflexion sur l’image), la culpabilité et l’absence. Qu’est-ce qui vous fascine tant dans ces thématiques ? Pourquoi une telle obsession pour ces réflexions ?

Je pense que ces thématiques sont ce qui nous rend profondément humains. Et mon sujet de prédilection est l’être humain dans toute sa beauté et sa laideur.

J’ai le sentiment que, pour vous, une image sera toujours plus puissante qu’une ligne de dialogue.

Nettement. J’adore la communication directe d’une image. Elle va droit au cœur. Et reste dans la tête longtemps après la fin du film.

Les cinéastes québécois sont actuellement en pleine bourre à l’international. Denis Villeneuve, Martin Villeneuve, Jean-Marc Vallée, Xavier Dolan sont reconnus dans les festivals étrangers et développent des « grosses productions ». Comment expliquez-vous ce boom du cinéaste québécois ?

Je pense que nous faisons de très bons films.

Quel regard portez-vous sur la production cinématographique québécoise actuelle ?

Je pense qu’elle est en danger. Car les gens qui donnent les subventions veulent de plus en plus financer des projets qui font du profit. Qui cartonnent. De cette façon on encourage moins les talents un peu plus obscurs. La relève. Les petites perles qui de film en film vont croître.

Y a-t- il des projets que l’on vous a proposé que, rétrospectivement vous regrettez de ne pas avoir réalisé ?

Non.

Vous avez travaillé en France pour la série Xanadu. Que retirez-vous de cette expérience française ? Est-ce un bon souvenir d’avoir tourné en France ?

Ce fut un très bon souvenir. J’en garde des amitiés profondes et c’était très rafraîchissant de travailler avec une nouvelle équipe, Découvrir de nouveaux comédiens.

Pour Xanadu, on est venu vous chercher pour votre oeuvre, votre savoir-faire, votre style. Est-ce que, malgré tout vous avez dû « adapter » votre style ?

Pas vraiment. J’ai adapté mon style au propos de la série, mais c’est tout.

Vous enchaînez les films à une cadence régulière. J’en conclus que vous êtes déjà en train de réfléchir à votre prochain projet… ou vos prochains projets. Pouvez-vous en parler ?

J’aime mieux vous réserver la surprise !

Propos recueillis par Thomas Destouches

Remerciements à Podz pour sa disponibilité